还有7天，牺牲了整个夏天用来“重装上阵”的纽约现代艺术博物馆（MoMA）即将于2019年10月21日重新对公众开放。人人都说这是万众瞩目且激动人心的改造，可是要细究起来，各种信息似乎又过于散乱；今天，“凤凰艺术”用2个数字、10组数据，提前剧透，带您一口气看明白什么是 A New MoMA。
试想从第53街看翻新后的纽约现代艺术博物馆会（MoMA），会是什么样子呢?
▲ 新 MoMA：Hello Again
*夏季闭馆四个月（6 月 15 日 - 10 月 21 日）
今年春末夏初，在纽约现代艺术博物馆扩建和翻新的最后阶段，馆方毅然决定放弃夏季的门票收入，仅保留 MoMA PS1 的正常开放，以便对展厅、展品以及其它硬件服务设施进行调整和升级。
▲ MoMA 新馆前台
从10月10日开始，部分参展艺术家、贵宾和会员们已经优先一周看到了新 MoMA 展馆的模样：全新打造的位于西侧的6个出口，将新建的3层画廊与现有建筑连接起来，延伸至法国建筑师让·努维尔（Jean Nouvel ）设计的摩天住宅楼旁边。在展馆建筑已经成为去美术馆和博物馆参观的组成部分的当今，DS + R （Diller Scofidio + Renfro）设计事务所与 Gensler 建筑设计公司一起，为 MoMA 迄今为止最大规模的永久馆藏展品陈列提供了额外的惊喜。
▲ MoMA 新馆的商店空间
*扩展 40000 平方英尺（约等于 3716 平方米）
MoMA 新馆扩展 40000 平方英尺（约等于 3716 平方米）以包豪斯风格的展馆内部设计为主，因为新入口和展品的重新排列组合，彻底改变了游客的整个参观体验。而扩建的新展厅，使至少 1000 件藏品有机会在这增加将近 30% 的空间里得以“重见天日”。很多展品大概被藏得太久，馆长直说：“好多大师作品，我们都忘了在我们馆里藏着呢。”
▲ MoMA 新馆新建的“人民工作室：集体想象力”
在改造重建之初，位于 MoMA 隔壁的原美国民俗艺术博物馆就被规划进新馆的范围内。不仅是空间和地域上的重置，更是为该馆以及 MoMA 过去未受到足够重视或评论未能涵盖对展览以及展品赢取公众以及策展人们的注意。更新后的一层大厅，将免费对外开放，进一步拉近公众与艺术的距离，激发观众对现代及当代艺术的兴趣，促进其与展馆的互动和联系，增加机构对纽约市文化艺术发展的参与度。可以说，博物馆的建筑，尤其是入口与一层大厅，是达成这些目标的第一步。参观者在一个舒适的环境中体验轻松愉快的观展感受，才有可能从单纯的观看，逐渐向讨论以及思考艺术发展。
▲ MoMA 馆长 格兰·D·洛瑞（Glenn D.Lowry）
将继续担任下一任期 MoMA 馆长的格兰·D·洛瑞（Glenn D.Lowry）提到，“我们有机会重新激发和延伸我们的创始使命，而游客来到新馆就开始赞叹；事实上新馆建筑和展厅完工后的模样也的确超越了我一开始所有的设想。”
对于装置、雕塑等需要三维空间来展示的作品而言，在 MoMA 的新展厅，它们有机会和新老观众见面，向他们倾述自己的故事，馆长说到，“游客来到这些作品面前，可以仔细观看，作品就开始和他们对话了。” 建筑师对展厅所需的自然光以及策展人对展品和展品间相互位置的斟酌与考量，是展馆硬件翻新之外的用心之处。
新老展馆的设计修建与融合，包括对与展品展示的重新规划，涉及大量的人力物力，它的实现离不开艺术爱好者和赞助人的支持。娱乐大亨大卫·格芬（David Geffen）为 MoMA 送出了一亿美元的厚礼，而资深的艺术赞助人、2017 年去世的慈善家和银行家大卫·洛克菲勒（David Rockefeller），更是捐赠了超过两亿美元的支持。
▲ 贾斯培·琼斯（Jasper Johns）《Flag》
在旅游业的旺季关门停业，势必对博物馆的收入预算有重大影响，然而考虑 MoMA 自创始以来的目标与信念，以及革新后的重大变化，相信短期的收入损失很快会被追上。
“纽约，以及世界上其它首都城市，都缺少面向公众展示现代艺术创始人们以及各画派作品的美术馆。”印在 MoMA 第一本导览手册上的便是这句话。彼时，正当 1929 年，第19次修正案刚刚通过10年，它确保了妇女投票的权利。
在那之前一年的某顿午饭间，艾比·奥德利奇·洛克菲勒（Abby Aldrich Rockefeller）, 莉莉·布里斯﹙Lillie P. Bliss﹚ 以及玛丽·奎恩·沙利文(Mary Quinn Sullivan) 谈到了在纽约成立一家专门展示现代艺术的博物馆的点子。不到一年之后，在纽约第五大道 730 号那栋写字楼的第 12 层，MoMA 开馆了。是时 1929 年 11 月 8 日，正是黑色星期二股市崩溃后的第10天。
如很多人所知，MoMA 最早期的藏品都是接受捐赠得来的，以及通过出售或交换超过 50 至 100 年的“老作品“来增加馆藏，并坚持收购在世艺术家的作品以保证其收藏的现代性或者说当代性 —— 毕竟，任何艺术品在某一时段都是“当代作品”，而收购在世艺术家的创作，抛开别的不提，更能保证其真实性。
可见，MoMA 从创始之初，就以其鲜明的实验、先锋的当代性从众多陈腐的博物馆中脱颖而出。首任馆长阿尔弗雷德·巴尔（ Alfred H. Barr Jr.）更是从上任之初，就在收入绘画、雕塑、版画之外，开创性地为展馆陆续接受包括建筑、工业设计、摄影、电影、甚至舞台设计等“新鲜”类别的藏品。它们无疑都是 MoMA 无可替代的宝藏，现在，其中的一些，开始陆续与公众见面。
在拥有更大的展示空间后，除了人们耳熟能详的梵高、毕加索、莫奈等作品外，一些与之同时代的、受其启发或主题相关的来自不同背景艺术家的作品，将与之同台现身。 这些大师的作品固然是很多游客慕名而来的原因，但对于有着丰富馆藏的世界级艺术机构而言，把更多藏品介绍给新老朋友，和让新老朋友对经典作品有新的认识，大概是一样重要的工作。
▲ 文森特·梵高（Vincent van Gogh）《星空》，圣雷米，1889
▲ 弗里达·卡罗（Frida Kahlo，1907-1954）《短发自画像》 ，布面油画（Oil on canvas），1940
策展人莎拉·铃木（Sarah Suzuki）说，“很多人可能就是来看安迪·沃霍尔（Andy Whorl ）那 32 幅罐头汤，但我们希望能介绍一些新朋友。” 尽管新展厅汇集了更多作品 —— 前面提到将有 1000 件作品“见天日” —— 但莎拉将负责每6至9个月更换在展的三分之一作品的工作。这预示着自上一次（2004 年）展厅翻新后，机构目标的更迭：向公众展示更多的作品。
▲ 亨利·马蒂斯（Henri Matisse）《游泳池》，纸上水粉画，彩纸剪贴。1952年 @Bernard F. Gimbel基金会 美国银行艺术品保护项目 材料和过程：马蒂斯把他的餐厅变成水下绿洲
▲ A New MoMA 展览现场，马蒂斯《舞蹈》，1910
类目混合：绘画、雕塑、建筑、设计、摄影、媒体、表演、电影、纸质作品
新展厅仍然不在作品前设置“安全距离”，且不但让观众与作品尽可能地亲近，更将混合9个类目媒介的作品，不仅打破了严格按时间陈列的规则，还调整了按媒介划分的界限，更突破了观众在观看作品时相对单一的感官体验。
10月12日的 A New MoMA 的预展现场，“凤凰艺术”对格兰·D·洛瑞（Glenn D.Lowry）馆长进行了专访，他表示，新旧建筑与其所容纳的作品陈设一并融合，从内而外，从形式到内容，都向纽约以及世界各地的参观者展示着 MoMA 的转变。
（为了方便阅读，以下“凤凰艺术”简称"Q"）
▲ “凤凰艺术”联合创始人、主编肖戈独家专访纽约现代艺术博物馆（MoMA）馆长格兰·D·洛瑞（Glenn D.Lowry）
Q：首先，请您谈一下改建 MoMA 的灵感来源？
格兰·D·洛瑞 （Glenn D. Lowry）：灵感来自 MoMA 首任馆长阿尔弗雷德·巴尔（Alfred H.Barr）最初的愿景：在纽约建造一个具有实验性的博物馆。这一扩张意图的价值不仅仅是有了更多的空间，而是让我们重新思考什么是艺术博物馆的经验。我们有机会重振并扩展我们的创始使命——欢迎大家将新 MoMA 当作研究和展示当代艺术的实验室来体验，这里将涵盖所有的视觉艺术。
▲ A New MoMA 展览筹备过程中，图片来源：MoMA官网 ©MoMA
Q：在改建的过程中，您有没有可以与大家分享的“背后的故事”呢？
格兰·D·洛瑞 （Glenn D. Lowry）：所谓“背后的故事”就是我们在调和展品和藏品的过程中，形成“两个博物馆”的状况：前者可能只有 1000 件作品，而后者有 200000 件作品 —— 这个冲突意味着在展的作品永远无法反映我们的馆藏。所以我们努力平衡“所展”与“所有”，这样可以让公众了解和认识到我们丰富甚至繁杂的馆藏，以及其“背后的故事”。
▲ A New MoMA 展览筹备过程中，图片来源：MoMA官网 ©MoMA
▲ A New MoMA 展览现场的中国展区
Q：在此次新 MoMA 开幕展中，我看见到了一些中国艺术家的作品，请问您对此是怎样考量的？
格兰·D·洛瑞（ Glenn D. Lowry）：我们对世界各地的艺术家都非常感兴趣，也的确拥有不少 —— 不一定是数量取胜但质量很高 —— 重要的中国艺术作品。就这一次的开幕展而言，我们特别关注的是中国八九十年代这段关键的历史时期，所以在展厅里有陈箴、黄永砯、宋冬等把艺术创作理念反映在作品中的重要艺术家的作品。
▲ A New MoMA 展览现场，图片来源：MoMA官网 ©MoMA
▲ 新 MoMA 的行为艺术空间，图片来源：MoMA官网 ©MoMA
Q：新 MoMA 相对于以前的 MoMA，最大的异同何在？
格兰·D·洛瑞 （Glenn D. Lowry）：新 MOMA 终于开了，我们特别的激动。因为这件事已经筹划了将近10年，所以，现在就像是美梦成真。与以前相比，我认为不同之处在于有更多的艺术品，还有来自更多国家和地区的艺术家，他们以新的方式得以被展示出来。同时，也是一个建筑、设计、电影、摄影、绘画、雕塑等不同媒介艺术的融合平台。对我们而言，这是一个重要的推进，就好像是以前只是在构思中摸索，而现在它真的实现了。
▲ 巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）《亚维农的少女》（Les Demoiselles d'Avignon），布面油画（Oil on canvas），244 X 234 cm，1906—1907
▲ A New MoMA 展览现场，图片来源：MoMA官网 ©MoMA
▲ A New MoMA 展览现场，小野洋子（Yoko Ono）的作品
Q：对于此次新 MoMA 开幕展，请问是怎样构思与策划的？以及怎样选择作品的？
格兰·D·洛瑞（ Glenn D. Lowry）：事实上，这些新馆开幕展都是聚焦我们的馆藏作品的。所以在开幕之际，你在展览中看到的所有的作品，都是来自于我们自己的收藏。我们就是想着怎么重新组织、策划、安排这些馆藏作品，来让人们看起展览来更加有兴趣。
MoMA 对重新开幕的所做的准备，不仅是向公众展示更多作品，更是比以往更多更深地提供来自不同背景、地域的艺术家创作的不同材质媒介作品的参观体验。
虽然在创建初期的独特历史时段就有着超越时代的倾向性，必须承认 MoMA 如同其它艺术界的中流砥柱一样，也在展览主题和创作者的性别与文化多样性上有所偏颇。其女性艺术家的首个个展，举办于展馆创立 13 年后；而根据 1984 年的世界绘画与雕塑调查，MoMA 展出的艺术家之中，仅有不到 10% 是女性 —— 这一重大性别差异在自称为“艺术界的良心/道德”的艺术家组合，游击队女孩于 1985 年创作的海报中有所体现。该作品现为伦敦泰特美术馆的永久收藏，并在上周于北京 CHAO 艺术中心结束的展览《观看之道》中展出。
当然，在纽约最具影响力的几家艺术博物馆之中，MoMA 仍然是表现优于古根海姆美术馆（the Solomon R. Guggenheim Museum）、大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art)以及惠特妮美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）。 这一次，虽然馆方并没有强调女性和少数族裔艺术家作品的展出比例，但就开馆当天推出的九个展览外加一个现场实验性质的多功能空间而言，新购入的作品以及女性艺术家特别是少数族裔艺术家所占的比例，还是相当高的。
2013 年，戴雅妮塔•辛格（Dayanita Singh）也对她的“博物馆”进行了改造：木质结构，外加锁链，可以折叠；集展示、归档以及储存三个功能于“一箱”。在屏风般的“相框”里，所有的照片都可以单独排列或者“再排列” —— 艺术家本人称之为“相片建筑” —— 或者只是悬挂在墙边，跟那些木头盒子放在一起。
▲ 戴雅妮塔·辛格（Dayanita Singh）作品展览及讲座现场
在每一种排列组合当中，图像间的关系都因为内容的结合或分离的变化而发展出不同的叙事情节，而连结这些作品的真正的线索，则是际遇。这组跨越三十年艺术生涯、包含超过一百六十张图像的作品，实实在在地为“演示”和“讲故事”提供了无尽的可能。它给观众的额外提示是：摄影，不仅是关于获取图像，更有意义的，是怎么编辑它们。
位于二层的韩裔艺术家梁慧圭（Haegue Yang）的多媒介装置展，包括多彩的几何构型二维图形、六件雕塑以及声光装置，用不同的艺术语言为观众展示了一个崭新的阅读和理解现代主义的窗口。
▲ 梁慧圭（Haegue Yang）《处理》2019
马里纳尔尼·穆克吉（Mrinalini Mukherjee）
印度艺术家马里纳尔尼·穆克吉（Mrinalini Mukherjee ，1949-2015）于 1984 年创作的“软雕塑”类作品，作为 MoMA 收于囊中的新作品之一，也在开馆展览中与观众见面，相信该作品会为参观者了解艺术创作中的女性主义提供一个新视角。
在佛教、印度教以及耆那教中，药叉女（Yakshi）是代表着生育力的女神。在穆克吉的这件作品中，我们可以看到如解剖般精准的特质：诱人的丰臀细腰宽肩，然而作品本身仍保持着抽象的整体形态。在悬挂在金属盔甲的结节纤维材料正中，有个巨大而精细的创口。不同与西方对艺术与手工艺进行区分的倾向，穆克吉对传统用于工业纺织的天然麻料进行染色和探索，并在其间为当代雕塑新的可能性找到了一个方向。
▲ 马里纳尔尼·穆克吉（Mrinalini Mukherjee） 《药叉女》
Richard Serra在2015年创作的《平等》（Equal），以艺术家著名的“类建筑”雕塑为新 MoMA 增加了一个不容忽视的注脚 —— 从作品标题到作品体量，其含义不言而喻。本次展出的作品也是馆方的新收藏，作品各部分单体重达 80 吨，它也是这次翻新改造项目中，最后一件需要建筑工程队集体配合安装布置的作品。
▲ 理查德·塞拉（Richard Serra）《平等》
本次秋季开馆的九个展览分别是：“大卫·都铎和‘电子公司中的作曲家们’：雨林五（版本1）”（David Tudor and Composers Inside Electronics Inc.: Rainforest V (Variation 1) ）、“成员：珀伯·L，1978-2001”（member：Pope.L）， 1978 - 2001、“现代以南：抽象之旅”（Sur Moderno: Journeys of Abstration - The patricia Phelps de Cisneros Gift）、“梁慧圭：手柄”（Haegue Yang: Handles）、“环绕：11件装置”（Surrounds: 11 Installations）、“计划110：迈克尔·阿米蒂奇”（Projects 110: Michael Armitage）、“穿线之路”（Taking a Thread fo a Walk）、“能量”（Energy）、“私人生活·公共空间”（Private Lives Public Spaces）、“贝蒂耶·萨尔：黑女孩之窗的传奇”（Betye Saar: The Legends of Black Girl's Window）。
在开馆当天开幕的几个展览之中，额外令人注意的是非裔美国艺术家贝蒂耶·萨尔 （Betye Saar）的个展。她以 92 岁高龄成为参展的长老级艺术家之一，其创作的版画作品将首次成体系地接受大众的检视。
▲ 贝蒂耶·萨尔（Betye Saar）《黑女孩的窗口》
其中《黑女孩的窗口》无疑是让各位陌生的观众迅速了解这位艺术家的作品之一。这件综合材料的装置作品可以说是艺术家本人的无字自传，组合的各个窗口以画面展示了艺术家自幼的经历和关注的话题。“创作的时候，我简直不知道自己在做什么，就像完全自动地，无意识地拼贴描绘出了这件作品。你们看这画里女孩的手，和我的一样大。” 布展时，艺术家这样向展览团队介绍这件作品。
在环球旅行的过程中，希拉·希克斯（Sheila Hicks）受到各地历史建筑的启发，从而开始了某种微妙的配对游戏：把纤维材料制品的设计与它们所处的环境相融合 —— 在这件作品里体现的，是博物馆的建筑。
▲ 希拉·希克斯（Sheila Hicks）作品展览现场
对艺术家而言，纤维是一种普世的语言，她认为，无论世界上何种文化，都视纺织品为基本而重要的组成部分，以这个层面上的相似性作为沟通和了解的基础，可以立刻打破所有的偏见。这件作品无论在什么空间展出，都被设计成由天花板垂至地面的样式，从而巧妙地对周围的建筑环境进行重新定义。
这件作品最早于 2013 年的第 55 届威尼斯双年展上代表美国出展，标题源于水可以以气液固三种形态同时共存。来自生活各处的现成品被萨拉·斯茨（Sarah Sze）组合成一个激浪漩涡般的大型雕塑，每一个部分却都处在相异的状态。摇曳的钟摆，标示出作品的边际，同时也预示着摧毁它的潜在危险。这种不安感是艺术家创作的一个核心主题，即当代生活丰富的物质和爆炸的信息所带来的惊奇与焦虑杂交的紧张感。
薯片可以算是一种建筑吗？以大胆出挑的建筑设计闻名的藤本壮介（sou fujimoto）用让人意想不到的材料做了一组建筑模型。建筑师试图以“书桌上的文件夹”、“成组的乒乓球”、“水池旁的海绵” 来展现日常生活中的建筑，让观众对“自然”萌生新的理解。日常用品在体量维度上的变化带来了超现实的情境，从而产生了新的意义。与格言或警句成对出现，藤本的模型引领观众在想象中建造并住进自己搭建的复杂建筑。
精彩纷呈的新展馆，再次成为令人流连忘返的地标建筑之一。事实上，增加的 1000 件展品使得延长的一个小时开馆时间显得微不足道，也许我们需要向此次建筑翻修的项目领头人 Liz Diller 借鉴，“我念书的时候经常逃课来 MoMA，这对我来说是接受与学校不同的新教育”。
另外，在开幕馆藏展中展出的中国艺术家有：肖鲁、徐冰、黄永砯、苍鑫、张培力、宋冬、陈箴等。
八十年代末开始，许多中国艺术家的作品捕捉到了当时的反叛精神。他们开始使用一系列新技术，上演了一些具有挑衅性，有时甚至是荒诞的行为，比如对着自己的艺术装置开枪、给鸡涂肥皂、或者在牛仔裤上缝烟花等。这些目中无人的艺术作品标志着一种新的自主感以及与国际的对话。随着人们对行为、影像等媒介的兴趣日益浓厚，艺术家们开始反思个人主义与集体主义之间的张力。另一些艺术是为了回应社会经济的急剧变化和城市化的迅猛发展而产生的，它们探索自然、土地、领土和无常的环境。
▲ 展览现场
（按展厅作品顺序排序）
▲ 《对话》，1989，照片由温普林提供，存档于中国前卫艺术档案，显色彩色印刷，2006
激进的行为：是什么激发了艺术家向她的艺术作品射击？
1989年2月，在北京中国美术馆的现代艺术大展上，肖鲁向她的装置作品开了两枪。装置由两个电话亭组成，电话亭上贴着一位男性和一位女性的照片，还有一个红色的电话，电话听筒挂在钩子上晃来晃去：所有这一切构成了一个沟通失败的场景。一台摄像机拍下了肖鲁和她的作品之间的冲突。枪击行为之后，中国美术馆暂时关闭了展览。
▲ 《（卫）字 3 号》影像（彩色、无声），36:49 min，1991年3月3日
“我想制造一些让人们感到无聊和烦恼的东西，”张培力说，在这个视频中有很强的隐喻性，艺术家用一块肥皂来洗一只鸡。他的行动效仿了当时的爱国卫生运动，并故意以无声显示。
进入研究生时期，徐冰对版画作为“间接性”的绘画，及其“复数性”的特质，产生了概念上的兴趣。1986年开始着手的《五个复数系列》木刻版画，就是以“复数性”作为构思的起点。1987年，他在硕士学位毕业展中，发表了这套《五个复数系列》和另一套《石系列》铜版画。同一年稍后，他整理个人的版画观点和创作心得，发表成《对复数性绘画的新探索与再认识》专文。徐冰曾经写道：“复数及规定性印痕是版画别于其他画种的关键所在，只有追寻这条线索，才能探寻版画艺术的本质。”
▲ 《放鞭炮的裤子》，1987年，(1999年在巴黎被装箱)，裤子、鞭炮、黑白照片和胶带，在纸箱里，两部分
中国制造烟花已有一千多年的历史。1987年，黄永砯在一条裤子里放了100个小鞭炮，穿上衣服，然后用香烟点燃了鞭炮。这条烧焦的裤子现在被装在一个纸箱里，里外翻个底朝天，旁边还放着一张原行为表演的照片。
黄永砯是中国艺术前卫团体“厦门达达”(Xiamen Dada)的创始人之一，该团体将中国佛教哲学与被称为“达达”(Dada)的欧洲艺术运动的不敬表演和颠覆性策略融合在一起。在参加了1986年的展览后，厦门达达的成员把他们的艺术作品作为一种解放的行为来焚烧。该组织写道:“在艺术被摧毁之前，生活永远不会安宁。”
▲ 《轿子》，1997年，竹子，手杖，靠垫，殖民地帽，蛇皮
▲ 《哈气》1996年，行为艺术，彩色幻灯片(diptych，2018年印刷）和灯箱，卡尔·雅各布斯基金会，2018年
宋冬在表演“哈气”时，他脸朝下倒在天安门广场的地面上，在零下的条件下，停留了40分钟，直到呼出的水汽凝结成一层薄薄的冰。当他在北京的一个人工湖——后海的冰面上重复这个动作时，湖面上的冰依然完好无损。这些表演体现了个体与更强的自然力之间的冲突。
▲ 苍鑫《交流系列2-无题》1999年，摄影基金委员会，2018年
舔舐这种行为由艺术家直言不讳地解读为一种交流的形式，一开始是作为他的一种治疗性的行为，通过一种物理方法和有情绪意义的方法来使他回归与社会的接触。对于苍鑫来说，舔舐可以关联到作为婴儿的“原始状态”，除了伸出舌头来舔舐物体，婴儿无法了解世界或表达他自己。这一通过舔舐来象征接触的行为，对苍鑫来说意义重大。他将人们之间的关系看做是建立在这种接触之上的，“你接触了一些，那么一切就都在那里，就产生了一切，一切都是开放的、发展的。”
陈箴用了世界各国99张儿童椅，转化为多间细小烛屋，组成一条地球村。蜡烛在中国象征个体生命，而在儿童椅上起屋，表示要建构一条无国界村落。千里之行，始于足下，无论如何，下一代总是希望所在。“这项目有诗一般的视野，同时又带出复杂议题：平等、群体、包容互谅、共存、无国界对话。”
▲ A New MoMA 之夜派对
在持续一周的贵宾预览的晚间，馆方举办了几场名为 A New MoMa 之夜的派对，让大家提前体验一把“夜游新美术馆”。庭院里的雕塑和装置作品在夜色与灯光的映衬下，显得别具韵味。宾客相聚，小酌畅谈之余零距离欣赏艺术，在身心愉悦共振的体验下，一同庆贺新生的 MoMA 。
当然，对于大多数观众而言，还请稍安勿躁，君不见庭院里那株待放的巨大单支花朵雕塑正在向各位招手，10月21日起，新 MoMA 将以崭新的建筑，绝妙的展品，升级配套的服务设施和活动，连同馆方的心意一起欢迎大家的光临：各位下周见！
▲ 新 MoMA ，图片来源：MoMA Store 官方 Instagram ©MoMA
A New MoMA
时间：12:00–6:00 p.m.（周二和周三闭馆）
地点：11 West 53 Street, Manhattan（美国，纽约）
